​“幻像之相——曾浩个展”@祥山艺术馆

王春辰

我和曾浩认识了很多年，他从四川一路走来，在北京这么多年进行创作。今天，因为忙着在布置青年艺术展，有人问到你们做第二次青年展和第一次有什么不同？我想最大的不同是第一次提名的青年艺术家，在第二次提名中只有十几个人出现，大部分几十个、上百个没有出现。这说明中国艺术的节奏，一代一代新人不断地冒出来，而且他们的作品都有自己的特点、有自己的典型，否则不会被提名，也不会被关注的。

那么回到曾浩来看，这些经过几十年创作、日渐成熟的艺术家，他们或者正继续成长，或者往更大层面上深入发展。无论怎样，都对自己带来了更大的挑战，这从艺术的生态上可以看出来，“前有虎后有狼”，很有紧迫感的意味。当然，艺术的事情是自己在做，我们强调艺术家的个体、艺术家自身的特点，但是你的周边包括上下和左邻右舍，都是你的衬托，而且我们看艺术家的作品也是参照这样的网络，自己越突出、越显赫、越出位、越和别人有差距，就越成为这个时代网络的节点。在这么大的艺术网络里，节点越多越好、越结实越好。曾浩这些年来我们很关注，他经过了很多变化。这些年，大家对图像的态度有了新的变化，有了新认识。图像是阶段性的，不是持久性的，这个时代用这个图像，过了一个时代又是另一种图像，它很多时候显示了特定的当下性，跟特定的时间点和特定的时间有关。如今，拓展艺术表征的图像成为任务，而要跨越失控的图像也成为挑战。用泡泡的人也比较多，包括摄影和做实物的，以这样的形态表现自己的艺术创作，要构建的目标也都不一样。曾浩要表现的是浮华，是无实体的空洞感。他想超越某种东西。

最近，艺术界各个方面的信息似乎在显示：艺术当中的超越性被重新加以肯定和强调。80年代强调超越，包括后文革时期的非主题论，那个时期也强调写实批判。前几年因为国际上谈图像转向，说起中国的艺术也多是从图像来说明中国艺术的独特性，但是如果我们不谈图像，谈之外的东西能不能？图像太有针对性，可能会妨碍艺术家有更大的突破和超越。有人说抽象会火，但是这个火不是一个问题。我们在2015年安排了几个抽象艺术的展览和讨论，如肖恩·斯库利在上海的展出，3月巡展到央美。横向比较，他的抽象就那么简单的几何形状，为什么那么多人要讨论它、评论它呢？何以说它重要呢？也许多数人看了感觉很乏味，但是抽象的艺术需要时间沉淀，如前两年在意大利去世的托姆布雷（Cy Twombly），他的作品是用铅笔在画布上涂涂抹抹，感觉像涂鸦，但是很有节奏、富有极大的变化，丰富了绘画的可能性。

今天的艺术，内容为先、观念为先，还是这些各有发展、各有交融？曾浩一路走下来有了自我的梳理，因为他知道以图像为策略并不是最好的策略，而是更大的超验性视觉。这次做的青年展可以看出，如今的青年艺术家非常聪明，他们学会了很多的方法，知道当今做展览的方法、被关注的视点。他们会反用各种方法，常常反着来。这一代人想问题的方式是奇特的，这也许是更大的时代特点。

曾浩持续这么多年的创作，就是特别希望有新的层面的突破。他67年出生，应该说是中国当代艺术在今天的中坚力量，是自己需要挑战自己的一代人，他们起着承上启下的时间点，不仅思考超越自身，也得回应周边发生的一切。既然艺术是选择性的实践，就要选择最能表现艺术进程中的东西。曾浩是用虚幻表达一个浮华的世界，内心的当代表征是膨胀，它不失为一种时代隐喻，这样他的图像有了关联，产生视觉的冲击、视觉的内涵。

总之，现在的艺术家凭什么来呼应这个世界？最近微信上说“打倒二尚”，当然有理由，从80年代以来，西方现代主义观念在中国流行，很多人接受，如今又对此怀疑，觉得理论上有误，来一次反驳，反对一下“二尚”。从艺术家的角度，这是必须的，也可以做到，但是从更大的层面上，“二尚”所产生的世界性影响没办法消退，无法做到全局性的颠覆，但是我们真的可以去重提对于画家重要的是技术吗？这么一提，我们是无法确知该如何去回应这样的转向。现在没有人敢说技术是第一位的，这并不是不讲究技术，而是如何让技术构建自己和世界的关系。技术与观念的关系是艺术家不断辩难的对象，接受什么、不接受什么，都可以怀疑。外在的艺术形态、艺术观念束缚都是艺术家要超越的，曾浩也是这么努力的。

曾浩他们这一代正在承上启下，也是在今天处在关键的时期，所以他们更加努力和探索，这样也增加了我们的期望。

吴鸿

曾浩的作品有装置画的特征，即作品具有绘画和装置二重性：绘画有装置性，最近又把绘画延伸到了实体的装置上。装置不是一种艺术样式，装置是一种多维方式，更是一种思考方式。装置画就是把两种以上的元素并置起来产生另外的一种意义。从这个意义来说，曾浩的作品有装置画的特征，是我比较坚持的观点。

曾浩作品比较多的元素是塑料感（绘画），塑料作为一种人工合成材料，对这个社会和时代产生的影响是明显的。90年代末栗宪庭做了个展览“聚苯乙烯”，提出了社会性的问题。塑料的应用很广泛，今天很多材料，包括用树木打成粉末再聚合起来，其实聚合材料也是塑料，坐的椅子和衣服等等。塑料材料对今天的社会形态、社会景观、社会文化特征形成有非常重要的意义，大多是视觉能够直观感受到的。

塑料的化学性和物质性在社会文化中的转换：社会文化的象征性。第一，塑料因为是一种人工合成材料，有可再生性，是廉价的，是一次性的，由一次性会带来非经典性；第二，塑料的材料造型和色彩上的可控性，它给视觉上带来的眩目或者说色彩绚烂的效果，我们随处可见。当把时间跨度穿越到19世纪，今天视觉感受到的色彩的眩目性在之前是没有的，视觉的非真实性和迷幻效果二者结合起来，非经典性和视觉上的迷幻性结合起来之后，是欲望和人内心的膨胀关系。曾浩把这个归结到泡沫，这两种特征在泡沫的符号上都可以体现出来，一方面是由内心欲望带来视觉上无限的扩展、无限的膨胀，同时内在有画面感和内在的不稳定性，通过这种符号把握时代的特征，不仅仅是这个时代的技术特征，也是技术特征所象征的社会文化的特征，这点曾浩是把握得比较准确的。

罗杰（艺术家）

作为艺术家谈绘画创作，往往有其自身的局限：看别人容易，看自己困难。每个人看别人一眼就看清楚了，但是真正从自己的角度面对自己绘画的时候，总是难以逃离长时间养成的思维惯性，不太可能跳出自己的画面所构筑的藩篱。这就牵扯出一个很关键的问题，艺术家的图式形成之后如何突破自我？什么情况下推进自己当前的画面形式？以及在突破自己时如何处理自己前面的形式感？完全放弃还是一点点、小心翼翼推进？很多人都得面对这个问题，我也面对这个问题。我画面上那种造型元素、画面分割及灰色调很早就形成了，我就对这个感兴趣，说不出为什么；我相信这种直觉放在曾浩那里也是一样的，他也有这样的感觉，所以说每个人处理自己情况的时候都有自己的局限性。

我觉得绘画发展到现在，要找一种非常新颖的、既立足当下生活又与众不同的方式是非常困难的，从无到有这个过程比较折磨人。找到一种感觉至少有两种处理方式：一种很快把这种感觉通过一定的工作量（半年时间或者是十张二十张作品）挖掘、推向极致，但是很多时候往往是二十张都还没有到位，也许还要画二十张以至于更多才能把自己的感觉挖掘到位，但这个时候艺术家得面对外界指责他简单复制作品符号的压力，有些艺术家比较淡定，我行我素，按自己的计划和感觉工作；但有些艺术家是直接把这个放下了，换一种方式另起炉灶，但是另起炉灶的过程肯定面临另外一种前途未卜的境地：出来的画面也许很单一，甚至毫无价值，但也许很丰富，令人刮目相看；每一步都充满致命的诱惑和危险。如何处理眼前的局面往往体现了艺术家的内在个性，曾浩尝试装置的努力是值得肯定和赞许的。在作品整体的把握上看来曾浩是要往丰富、立体和厚实上推进了，值得期待！我认为他的这个感觉（泡沫）本身是很好的题材，寓意也很深刻——无论是在中国和西方都得面对各种泡沫。

张培（艺术家）

很高兴看到曾浩同学最近的新作，感觉曾浩同学很多的东西开始凝固了，无论是图式和手法，包括想法和方式。

凝固不等于坚固，我觉得有些东西还没有坚固起来，为什么这样说呢？我觉得泡泡的选择，肯定有他自身的取向、他的原因和他的思考。图式和观念的选择牵扯到一个问题：上下层关系和形式匹配的问题。前几天我看一个书法评论的时候有一个例子举得非常好：汽车的鸣笛。平常人们都在开车按喇叭，但是在特定的时候，喇叭声会成为一个非常有力的形式，比如说在08年5月19日下午（注：当天国务院决定5月19日至21日为汶川地震全国哀悼日），那一分钟的鸣笛，这个形式非常的震撼！同样的如果那一分钟是掌声，我想这就是值得思考的问题。

我看曾浩新画的感受，看见他在凝固，也许还不坚固，形式与内容是否匹配？当然，这是个很长的过程，我很佩服他，他的意志力是很强的。从带有意识形态的建筑到几个伟人像宏大的政治叙事，他有大题材的考量，但是对日常生活细节，有些时候会更触及我们的神经。

李昌龙（艺术家）

曾浩给我的第一印象是温和的，甚至有点腼腆，但我看他的作品似乎分裂成另外一个曾浩。他用塑料、泡沫等视觉符号调侃、消解所有偶像、经典、媚俗和资本景观，画面不留余力地以一种轻浮的方式表达着对轻浮的批判，看似漂浮的画面背后隐藏着艺术家的忧虑和精神重感。后来看到曾浩参与声援工作室被强拆的艺术家的行为，参与“夜走黑桥”做行为作品，到天坛做与“霾都”有关的行为作品等等，让我感觉到曾浩身上有一种朴素的精神力量。曾浩没有今天艺术界明星们流行的宏大高深的“艺术计划”，也不会在资本的左右下喋喋不休地制造吓人的景观，而是以自身的思考与行动参与到对社会现实与精神现实的干预上来，即使是一种对当下现实的一种微创手术，他也愿意一试。

谈到曾浩的绘画作品，我觉得一个艺术家如果是从视觉开始，最好的结局也是以视觉收场，这点我们在平时的聊天中也有共识。过度强调知识化而轻视感知力量是中国当代艺术的一个症状，过度阐释只能说明信息洪流来临我们没有做好准备，丢失了艺术独立于其他学科的不可替代的部分，也是不可阐释的那一部分。在视觉力量上，大家熟知的基弗、比尔·维奥拉等大家的作品都是很好的例证。我觉得曾浩是一个在艺术观念上不断地实验与探索中的艺术家，更值得一提的是在技术、手感、颜色控制、造型能力等方面他也很出色，这些东西都脱胎于中国的社会主义现实主义艺术教育，用好这些东西其实是一个宝贵的恰当地表达身份政治的重要资产。

刘伟（艺术家）

整个20年的过程，曾浩基本上跟随整个中国当代艺术发展的脉络，游离于主流以外，但是又关注当代艺术发展的动向。经过20年的实践探索，渐变的过程是一个炼剑的过程，曾浩逐渐地形成用泡沫作为自己的语言符号，凸显虚无主义的创作命题，呈现一种今时代的社会心理症候。作为个体的艺术家来说每个人都有这样的过程，这个过程也是坚持与历练的过程。

从最开始的学习与效仿到个人面貌的成熟，形成有自己特点的画面，我觉得近阶段纯粹泡泡的画面比较单纯有力！很多的符号化内容的赋予反而削减了它的力量。